Considerado todo un adalid del arte surrealista, Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech nació en Figueras, Cataluña (España) el 11 de mayo de 1904. Desde muy pequeño, Dalí sintió una gran afinidad por el arte. Inició a la edad de 12 años de la mano de Ramón Pichot, artista y gran amigo de la familia. Gracias a él, Salvador descubrió el impresionismo, corriente artística que alternaría en alguna de sus obras.

En 1922, Dalí se traslada a Madrid para iniciar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en dicha academia compartiría con grandes figuras artísticas y literarias de España como el poeta Federico García Lorca y el cineasta Luis Buñuel, personajes con los cuales desarrolló una fuerte amistad.

París fue la ciudad donde floreció su arte surrealista. En esta ciudad conoció a su compatriota y también artista Pablo Picasso, a quien Dalí admiraba profundamente.

Aparte de su gran legado artístico, Salvador Dalí es reconocido por su extravagante personalidad y carácter histriónico, marcando la diferencia entre los artistas de su época.

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1. EL ORIGEN DE SU NOMBRE

Dalí tuvo en hermano mayor, llamado también Salvador, que murió a los 7 años, nueve meses antes de su nacimiento, por lo cual sus padres decidieron nombrarlo igual que su hermano. Este hecho marcó al artista catalán, que se veía así mismo como la reencarnación de su hermano, llegando a tener profundas crisis de personalidad.

2. LA HISTORIA DETRÁS DE SU PARTICULAR BIGOTE

Una de las características más famosas del artista es su inigualable mostacho. Dalí se inspiró en el bigote que llevaba el también pintor español Diego Velásquez, persona por la que el artista sentía una profunda admiración. Velásquez es el autor de la famosa pintura Las Meninas.

3. COLABORÓ EN CINE

Además de la pintura, Dalí mantuvo una estrecha relación en el mundo cinematográfico. Colaboró con su amigo Buñuel en la película surrealista Un Perro Andaluz, dicha película es considerada la más significativa del cine surrealista.

El artista ibérico también colaboró con otros cineastas de gran renombre como Alfred Hitchcock y Walt Disney.

4. FEDERICO Y SALVADOR: “UN AMOR QUE NO PUDO SER”

Entre el poeta Federico García Lorca y el artista Salvador Dalí, se presume que hubo una relación que iba más allá de una simple amistad, las apasionadas cartas que se escribían mutuamente son prueba de ello. Pero en la España del siglo XX, donde los homosexuales eran perseguidos e incluso condenados a muerte, una relación entre Dalí y Lorca estaba lejos de concretarse y salir a la luz pública en aquella época.

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5. LA CIENCA: SU OTRA MUSA

Aparte de su amada esposa Gala, Dalí tuvo otra gran fuente de inspiración: La ciencia.

Desde muy joven, el artista sintió un gran interés por la ciencia, Dalí trataba de mantenerse muy informado sobre la actualidad científica. Monserrat Aguer, experta en la figura de Salvador Dalí, asegura que “no podemos entender la obra de Dalí en su totalidad sin la influencia de la ciencia”.

Dalí fue un gran admirador del neurólogo austriaco Sigmund Freud al que definía como “su padre”. La interpretación de los sueños de Freud se convirtió en el libro de cabecera del artista español. La preocupación y estudio del subconsciente del médico austriaco ayudaron a sumergir a Dalí en el movimiento surrealista.

El físico alemán Albert Einstein, también formaba parte de la lista de ídolos del pintor, incluso se afirma que su pintura Los relojes blandos, está inspirada en la teoría de la relatividad formulada por Einstein.

Autodefinida como “la abuela del arte performance”, la artista Marina Abramović es considerada la pionera de esta forma de arte en todo el mundo. Marina ha formado su carrera artística a base de originalidad y experimentación del cuerpo humano para descubrir los límites de este.

“Abramović viene explorando los límites del cuerpo y de la mente, arriesgando a través de un tipo de arte en donde la obra no es una pintura, una escultura ni un video, sino una experiencia, es decir, momentos y situaciones en los que se usan la intensidad, la energía y el cuerpo como objeto y como medio”.

Esta eminencia del arte performance nació en Belgrado, Yugoslavia (hoy Serbia) el 30 de noviembre de 1946; emprendió el camino por el mundo del arte desde los años 70 hasta la actualidad.

La artista serbia estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1973 y 1975. En sus años universitarios intentó dedicarse a la pintura, pero falló en su intento, dado a que sentía que al pintar no expresaba del todo sus emociones. Por ello, decidió que su cuerpo sería su herramienta de trabajo y principal eje de su arte, basándose en experiencias, es decir, momentos y situaciones en los que se usa la intensidad, la trasgresión, el libre albedrío para los espectadores y los límites de la mente.

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Rhythm 0 (1974)

Es el performance estrella de la artista. En esta muestra, Marina, completamente desnuda, se puso literalmente a disposición del público con 72 distintos instrumentos que iban desde una simple rosa hasta un revólver totalmente cargado. Con dichos objetos, los espectadores podían hacer lo que quisieran en el cuerpo de Abramović, sin que la artista hiciera ninguna objeción durante seis horas.

Este performance comenzó con el propósito de tener un acercamiento y reflexión sobre la confianza, pero terminó reafirmando la tendencia del ser humano a recurrir a la violencia; la misma impactada por el resultado fue ella, reveló que “lo que aprendí fue que, si dejas que el público decida, te pueden matar. Me sentí verdaderamente atacada: me cortaron la ropa, me clavaron las espinas de las rosas en el estómago, una persona me apuntó a la cabeza con la pistola y otra se la quitó”. “Después de exactamente seis horas, según el plan, me levanté y empecé a caminar hacia el público. Todos escaparon, evitando un enfrentamiento real”.

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Imponderabilia (Abramović y Ulay, 1977)

En este performance Marina y su pareja de ese entonces el fotógrafo alemán Uwe Laysiepen, más conocido como Ulay, se situaron en la entrada de la exposición, obligando a todos los visitantes a pasar por delante de ellos, sin poder evitar rozar sus cuerpos totalmente desnudos.

La relación entre Ulay y Marina, además de amorosa, también estuvo muy ligada a su trabajo como artistas, pues en varias ocasiones colaboraron e hicieron performances juntos.

En el año 1988 dieron por finalizada su relación. Al romper, la pareja decidió despedirse de una forma muy simbólica y artística. Los artistas hicieron un recorrido por la Gran Muralla China, por separado desde los dos extremos opuestos, para encontrarse en la mitad del camino y fundirse en un abrazo de despedida.

Balkan Baroque (1997)

Esta obra, traducida al español como “Barroco balcánico”, fue un homenaje para las víctimas del genocidio ocurrido en las guerras serbio-croatas, evento histórico que dejó como saldo 100 muertes y cuantiosos desplazados. En este performance, la artista lava una montaña de huesos de ternera manchados de sangre mientras canta canciones infantiles.

El arte fue la mejor terapia de Frida Kahlo para hacer catarsis de los sucesos dolorosos por los que estuvo marcada su vida. Nacida en Coyoacán, México, Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, hizo literalmente de su vida un arte, todo lo que amó, odió y vivió puede ser visto en sus obras.

En su niñez contrajo poliomielitis, una enfermedad que la obligaba a pasar largos periodos en cama. Luego, un grave accidente de tránsito en su juventud le causó secuelas múltiples en su columna vertebral, por lo cual tuvo que someterse a dolorosas cirugías a lo largo de su vida, utilizar incómodos corsés de yeso y someterse a extenuantes rutinas de estiramiento.

Su relación de amor y odio con su esposo el muralista Diego Rivera, sus embarazos fallidos y la cultura mexicana, fueron una gran influencia en la obra de la artista.

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Hoy en día, Frida es considerada como una abanderada del feminismo, un ícono cultural y artístico de gran relevancia mundial, y su imagen es una de las más reproducidas por la industria cultural actual.

Presentamos la historia detrás de las obras más representativas de la artista mexicana.

DIEGO Y YO (1949)

La relación de esta pareja de artistas estuvo marcada por infidelidades de ambas partes, a pesar de ello, Frida profesaba un profundo amor y devoción por Diego Rivera. El rostro de diego en la frente de Kahlo indica que él siempre estaba en sus pensamientos.

AUTORRETRATO EN LA FRONTERA ENTRE MÉXICO Y ESTADOS UNIDOS (1932)

El cuadro es un claro contraste entre dos mundos, lo autóctono y antiguo de México choca con la modernidad e industrialización de los Estados Unidos; la obra es una clara diferenciación entre lo tradicional y lo moderno.

Lo que inspiró a Frida para realizar esta pintura fue su estadía en Estados Unidos, donde no se sentía nada contenta, pues estaba acostumbrada a lo tradicional de su tierra natal.

LA COLUMNA ROTA (1944)

La artista mexicana sufrió un accidente en un autobús en 1925, y desde entonces tuvo que ser sometida a dolorosas cirugías. Esta pintura fue hecha después ser intervenida quirúrgicamente de la columna vertebral y tuvo que llevar en lo sucesivo un corsé de acero que le provocaba intensos dolores.

LAS DOS FRIDAS (1939)

Para 1939 Frida se encontraba tramitando su divorcio con Diego Rivera, y su pintura “Las dos Fridas” representa el sufrimiento de la artista por su separación con Rivera. Con un cielo nublado y oscuro de fondo, están sentadas las dos Fridas, la de la derecha es la Frida amada por Diego y la de la izquierda es la Frida que el pintor ha rechazado. Las dos tienen el corazón a la vista, expuesto y vulnerable, pero el de la Frida de blanco está roto.

Los vestidos que llevan las dos permiten a la artista reivindicar sus raíces europeas e indígenas (su madre, Matilde Calderón, era mexicana y su padre, Guillermo Kahlo, era de origen alemán). La Frida rechazada lleva un vestido de novia estilo colonial y la segunda lleva un traje tradicional indígena que empezó a utilizar cuando se casó con Diego.

HOSPITAL HENRY FORD (1932)

Una de las frustraciones más grandes que sintió Frida Kahlo mientras vivió fue no poder haber concebido hijos, todo a causa de las secuelas del accidente de tránsito que tuvo en 1925. El 4 de julio de 1932 la artista sufre un aborto natural. Este episodio sucumbió a Frida en una profunda tristeza; un desconsuelo que se puede ver retratado en esta obra.

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UNOS CUANTOS PIQUETITOS (1935)

Este cuadro está inspirado en un suceso que Frida habría leído en un periódico: un hombre que asesinó a su esposa con arma blanca, trató de excusarse ante la justicia diciendo que solo le había dado “unos cuantos piquetitos”.

AUTORRETRATO CON EL COLLAR DE ESPINAS Y COLIBRÍ (1940)

Este autorretrato fue pintado durante la crisis por la que pasaba su matrimonio con Diego Rivera, en él quería reflejar su sufrimiento por su separación sentimental con el artista. Esta obra está cargada de simbolismos: el collar de espinas hace referencia a la corona de Cristo, mostrando el sufrimiento y la humillación que experimentó Frida.

El colibrí que cuelga de él es un símbolo del folklore mexicano de la suerte en el amor, usado muchas veces para invocar un nuevo romance. Sin embargo, está muerto, mostrando así la desilusión de Kahlo. El gato negro, catalogado como símbolo de mala suerte en la cultura occidental se muestra con una mirada amenazante hacia el colibrí, y sobre su hombro derecho está su mono, símbolo demoníaco en la religión cristiana… y un regalo de Diego.

EL VENADO HERIDO (1946)

Esta pintura expresa la decepción que sintió Frida por no haberse recuperado de sus dolores de espalda, en una cirugía hecha en Nueva York que, en vez de mejorar sus dolores, los empeoraron.

VIVA LA VIDA (1954)

Fue su última pintura, específicamente ocho días antes de su muerte. Esta pintura es interpretada como la despedida de la artista del mundo terrenal.

Medellín cuenta con siete cerros tutelares, los cuales son cerro Nutibara, cerro El Volador y cerro La Asomadera, que están ubicados en la parte central de la ciudad; cerro Pan de Azúcar y cerro Santo Domingo, en la periferia oriental. En la periferia occidental se encuentran los cerros El Picacho y Las Tres Cruces, este último con un mayor apogeo en visitas.

¿DÓNDE ESTÁ UBICADO?

El cerro Las Tres Cruces está ubicado en el corregimiento de Altavista y cuenta con dos accesos, uno por una carretera destapada que conecta con el corregimiento y por el que se puede ingresar fácilmente en vehículos; el otro acceso es desde el barrio Belén Loma de los Bernal por una ruta artesanal y empinada. Este es el trayecto preferido por los deportistas que buscan hacer rutinas de ejercicio fuera de las paredes de un gimnasio.

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El cerro cuenta con un altura de 300 metros contando base y cima, es visitado diariamente por personas que buscan realizar ejercicio de manera recreativa y conectarse con el medio ambiente. Toda la ruta está diseñada en subida, lo cual exige un buen estado físico para realizarla. El recorrido puede durar entre 40 minutos y dos horas, todo depende de la velocidad con la que se asciende la montaña.

RECOMENDACIONES

Se recomienda a las personas ir con ropa cómoda y zapatos adecuados para la subida, pues es una ruta inestable, con rocas y partes lisas. Es preferible ir en temporada sin lluvias, pues el fango puede hacer inseguro y resbaladizo el camino. También se recomienda buena hidratación y alimentación para tener un recorrido tranquilo y con la suficiente energía.

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El cerro siempre está abierto para su visita, pero es recomendable ingresar allí durante el día; la mayoría de las personas suben en horas de la mañana para evadir el sol fuerte y hacer ejercicio en la cima de la montaña. Otras personas suben en horas de la tarde, cuando el sol ya haya pasado. En todo caso siempre es necesario el uso de bloqueador solar.

Debido a los fuertes vientos del mes de agosto, también es un lugar donde niños y jóvenes pueden ondear sus cometas y disfrutar de las tardes de manera divertida.

Hay libros que pueden verse como historias para niños, llenos de ilustraciones y lenguaje sencillo que introducen a los infantes en grandes aventuras. Sin embargo, estos mismos libros pueden hacer vibrar a los adultos, sus historias fantásticas encierran reflexiones profundas y filosóficas sobre temas como la vida, la amistad, el tiempo, la imaginación y demás. Son lecturas de niños obligadas para adultos.  

EL PRINCIPITO (ANTOINE DE SAINT-EXUPERY) 1943

Son muchos los temas que aborda este libro, sin embargo, a grandes rasgos es una historia que le recuerda a los “grandes” que alguna vez fueron chicos. Esos que eran capaces de amar sin prejuicio y que eran capaces de valorar solo lo que realmente valía la pena.

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MOMO (MICHAEL ENDE) 1973

Es una gran metáfora del tiempo y su significado. Con un lenguaje sencillo y cotidiano, aborda un tema motivo de discusiones filosóficas. Una reflexión acerca de ese vaivén de la vida que absorbe a las personas en asuntos sin sentido, una discusión sobre el consumismo y cómo una persona puede perder de vista lo real, por correr tras asuntos banales.

LA HISTORIA INTERMINABLE (MICHAEL ENDE) 1979

Es un libro que habla sobre la fantasía y la imaginación. Es una historia que refuerza la idea de la lectura como ese pasaje secreto a los más grandes y maravillosos mundos. Es una obra que da pie a que los lectores de todas las edades recuerden sus momentos de encuentros literarios sin fin.

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PIPPI CALZASLARGAS (ASTRID LINDGREN) 1945

Para un niño, esta lectura está llena de aventuras y cosas divertidas, pero un lector adulto puede ver muchos más detalles. Asuntos como la adaptación a las situaciones adversas o el confiar en las capacidades propias para alcanzar los objetivos, e incluso la lucha por la igualdad de género, son algunos de los temas que alguien mayor podría rescatar del libro.

El artista plástico y cineasta estadounidense Andy Warhol, desempeñó un papel crucial en lo que hoy se manifiesta como “pop art”, es la figura más representativa y el principal precursor de este movimiento artístico.

Nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Estados Unidos. Andrew Warhol Jr. es su nombre de pila. En su niñez le diagnosticaron una enfermedad llamada “el mal de San Vito”, la cual provoca movimientos involuntarios en el cuerpo y despigmentación cutánea.

Dicha enfermedad lo obligaba a pasar largos períodos en reposo. Warhol los aprovechó para dibujar, escuchar la radio y coleccionar imágenes de estrellas de cine y televisión, pasatiempos que fueron despertando su admiración por la industria cultural de su país.

Andy inicia sus estudios en arte comercial en el Carnegie Mellon University, institución ubicada en su ciudad natal. El artista se establece en la ciudad de Nueva York, donde inicia su carrera como ilustrador publicitario para revistas de renombre como Vogue, Harper’s Bazar, Seventeen y The New Yorker.

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En 1950 empieza a ganar reputación en la industria del arte y la moda por su trabajo como ilustrador de zapatos. Las ilustraciones fueron expuestas en varias galerías en Nueva York.

Entre el 6 y el 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. Exactamente en la galería Stable, propiedad de Eleanor Ward. Allí incluyó el Díptico de Marilyn, Latas de sopa Campbell, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar, trabajos que hoy en día son consideradas las obras más famosas del artista.

En 1963 crea su propio estudio de arte llamado The Factory, que generó polémica en aquella época debido a las extravagantes fiestas que Warhol organizaba allí, con polémicos y famosos invitados como estrellas pornográficas, actrices, drogadictos, músicos y librepensadores; a los que el artista llamaba Warhol Superstars. El estudio dejó de funcionar en 1968.

Warhol creó toda su obra en torno a la cotidianidad, la industria cultural y las estrellas de Hollywood. Al artista le fascinaba estar inmiscuido en el jet set neoyorquino, él mismo lo afirmaba diciendo lo siguiente: “Tengo una enfermedad social. Tengo que salir todas las noches”.

El artista nunca ocultó su fascinación por la cultura consumista estadounidense, para él Estados Unidos se definía, en una palabra: consumo. “Comprar es mucho más americano que pensar, y yo soy el colmo de lo americano.”

El precursor del pop art muere el 22 de febrero de 1987 a los 58, pero su legado artístico sigue vivo, siempre será recordado como el “frívolo”, pero creativo artista que revolucionó el arte, llevando la cotidianidad a las galerías y haciéndola más entendible para las masas.

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EL POP ART

El pop art se define como un movimiento artístico que retrata y reproduce imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación y demás elementos de la industria cultural. Gracias a la obra de Andy Warhol se dio a conocer esta corriente artística, que junto con el minimalismo, es considerada una de los últimos movimientos de arte moderno.

A continuación, presentamos algunas de las obras más destacadas del artista estadounidense retratando emblemas de la industria cultural.

Latas de sopa Campbells (1983)

Es la pintura más representativa de Andy Warhol y una de las piezas de arte más reconocidas del siglo XX. Al principio la obra no fue muy bien recibida por los críticos de arte, pues la consideraban como una “burla”, pero pronto se dieron cuenta que no era así. Lo que Andy quería era mostrar una visión positiva frente al consumismo y la vida moderna, reflejándola en algo tan cotidiano y popular en la vida de un estadounidense: Las latas de sopa Campbells.

Los tres Elvis (1963)

Elvis Presley, leyenda musical e ícono de la cultura popular, fue retratado por Warhol en 1963. En el año 2014, la obra fue subastada por 81,9 millones de dólares, convirtiéndose en una de las más caras de la historia.

Marilyn Monroe Dorada (1962)

Marilyn Monroe, una de las actrices más reconocidas de la época dorada de Hollywood y símbolo sexual de los 50, fue retratada por el artista en varias ocasiones tras la trágica muerte de la actriz en 1962. La obra realizada por Warhol está basada en un retrato de Monroe hecha por el fotógrafo Gene Korman para la película Niagara.

Botellas de Coca-Cola verdes (1962)

Este es solo uno de los tantos cuadros que dedicó Warhol a la bebida refrescante más famosa del mundo y emblema de la cultura estadounidense. El artista consideraba a esta bebida como símbolo de la igualdad, argumentando lo siguiente: “Lo que es genial de este país (Estados Unidos) es que América ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes”.