En un mundo globalizado, en el que existen alrededor de 6.500 idiomas, es habitual encontrarnos con personas que hablan dos lenguas, y no es tan raro toparse con otros dominen hasta tres. Sin embargo, es poco frecuente convivir con gente que domine cuatro o una decena de idiomas con fluidez, personas que puedan cambiar de un idioma a otro de manera tan natural como cambiarse de camisa.

En este artículo les compartimos los nombres y la metodología de los seres humanos que dominan más de 6 idiomas, y que son llamados “hiperpolíglotas” por Richard Hudson, profesor emérito de Lingüística del University College de London.

1. Michael y Matthew Youlden

Los gemelos Youlden hablan nueve idiomas fluidamente y entienden casi una docena más. Su inspiración es que cada idioma representa una manera distinta de ver el mundo, analizar e interpretar la cultura de otro hablante. De esta manera, han logrado aprender nuevas lenguas, porque bajo esta motivación se han comprometido al máximo.

Sin embargo, el principal consejo que dan los hermanos es actuar como niños, ellos aprenden en base al error y equivocarse debe ir más allá de ser un tabú.

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2. Richard Simcott

Este joven británico está considerado entre los grandes políglotas de la época al tener la habilidad de dominar 20 idiomas. Para él, uno de los principales métodos es ir a la academia, donde tiene la oportunidad de interactuar y compartir con gente que está aprendiendo el idioma, tiene objetivos medibles y sale de su zona de confort. De acuerdo a su experiencia, es más sencillo aprender un idioma con un compañero y qué mejor opción si es en el ámbito académico.

Así mismo, los programas de televisión son una ayuda fundamental: “si estoy aprendiendo turco, veo el programa en turco con subtítulos en macedonio, luego lo intercambio para ver como se dice en turco”.

3. Luca Lampariello

Procedente de Roma, Italia, Luca se ha convertido en un políglota que domina el arte del acento, al ser capaz de imitar un hablante nativo en 11 idiomas diferentes al italiano. Esto lo hace a partir de un reconocimiento psicológico en el que su cerebro tiende a mantener un acento de acuerdo a la región de la cual se proviene.

Además, es reconocido por su enfoque del aprendizaje llamado traducción bidireccional, que consiste en leer un mismo texto en dos idiomas diferentes y comparar sistemáticamente el texto original y la traducción, para aprender vocabulario y la estructura gramatical de la lengua que está aprendiendo.

4. Benny Lewis

Conocido como el políglota irlandés y la mente creativa detrás del blog Fluent in three months, uno de los blogs más populares del mundo donde se propone el reto de hablar una lengua local en tan solo tres meses, Benny Lewis logró dominar 10 idiomas después de recibir su título como ingeniero mecánico a los 21 años.

Su principal metodología son las flashcards, fichas que permiten memorizar aspectos relevantes, y la inmersión total en un país, pero hablando desde el principio y no encerrándose entre los libros. “Cuando estuve en España, no aprendí nunca español porque no lo hablé”, el principal error de los aprendices es el perfeccionismo y creer que por conocer todo sobre un idioma lo van a hablar, por lo que siempre anima a la gente a aceptar sus errores.

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5. Lydia Machova

Lydia es oriunda de Eslovaquia, es profesora de idiomas, coach e intérprete. Para ella lo más importante de aprender un idioma es lograr comunicar de manera sencilla las actividades diarias que hacemos en nuestra vida.

Ubicado a tres horas y media de distancia desde Medellín, al Oriente de Antioquia se encuentra Abejorral, uno de los pueblos con creciente popularidad gracias a las diferentes actividades turísticas que se pueden hacer allí. Una de las razones de esta fama es la variedad de hospedajes, y entre ellos, la más conocida es la Casa en el Aire. 

A la hora de hacer un viaje lo más importante es saber dónde se podrá descansar, casi siempre las personas buscan lugares cercanos al centro de la ciudad o pueblo, algo cómodo y tranquilo como un hotel u hostal, aquí es donde la Casa en el Aire ofrece otra experiencia.

El establecimiento se encuentra en la vereda La Peña, la casa está construída en madera y cuelga a 20 metros de altura de la pared de granito del mirador San Vicente, sostenida por varias líneas de acero. Allí las personas pueden llegar a disfrutar de un día de sol, realizar variadas actividades que la casa ofrece o quedarse a dormir.

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¿QUÉ HACER AQUÍ?

Una de las actividades es montar el cable vuelo, en la atracción las personas pueden observar desde las alturas desplazándose 400 metros a través del cañón del Río Buey y el mirador de San Vicente. También pueden saltar con un arnés desde el balcón de la casa 40 metros al vacío.

Hacer un recorrido descendiendo por la montaña donde se encuentra la casa es otra experiencia que se ofrece, durante el descenso hay plataformas para hacer un picnic en el aire, en total esta actividad dura alrededor de ocho horas.

Por otro lado, uno de los más famosos atractivos son las hamacas en el aire, los visitantes pueden descansar colgando a una altura de 35 metros mientras están protegidos por un arnés que los conecta a la cuerda donde se encuentra atada la hamaca.

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Pero el plan de goce va más allá de la casa, en el lugar también podrá emprender una caminata para subir al mirador San Vicente, una montaña en forma piramidal que da al visitante la posibilidad de apreciar una panorámica del Oriente y Suroeste antioqueño.

Para conocer más sobre la casa, los precios y diferentes planes que ofrece puede visitar el enlace.

Medellín se ha convertido en un referente cultural y artístico de Colombia, la revolución artística que tuvo la ciudad durante el siglo XX es la evidencia visible. Los museos que presentamos a continuación son la materialización del arduo trabajo hecho por los antioqueños para hacer del departamento un gran escenario artístico a nivel local y nacional.

MUSEO DE ANTIOQUIA

Considerado el más importante de Medellín y del departamento, este espacio artístico fue el primer museo fundado en Antioquia y el segundo en Colombia. En sus salas se exhiben más de 5.000 obras de arte de artistas del departamento y del país.

Ubicación: calle 52 #52-43.

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MUSEO DE ARTE MODERNO DE MEDELLÍN

Desde su fundación en 1978, el museo se ha dedicado a mostrar, conservar y divulgar el arte moderno y contemporáneo que se desarrolla en la capital antioqueña.

Ubicación: carrera 44 #19a-100.

CASA MUSEO PEDRO NEL GÓMEZ

Fundado en 1975 por el maestro Pedro Nel Gómez y su familia con el fin de mostrar y preservar sus obras como patrimonio cultural de los antioqueños y colombianos.

Ubicación: carrera 51 B #84-24, barrio Aranjuez.

MUSEO CEMENTERIO SAN PEDRO

Este museo y cementerio fue fundado el 22 de septiembre de 1842, este lugar se ha constituido como patrimonio cultural y arquitectónico de Medellín, y fue declarado monumento nacional en el año 1999.

De este cementerio se destaca sus impactantes mausoleos donde están sepultadas en su mayoría personajes emblemáticos de Antioquia, entre ellos empresarios, políticos y artistas.

Allí también se conservan colecciones de arte local y nacional, además, en días de luna llena el escenario suele ser artífice de tertulias históricas, educativas y de presentaciones teatrales, musicales y danza.

Ubicación: carrera 51 #68–68.

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MUSEO EL CASTILLO

El Castillo fue construido en 1930 inspirado en la arquitectura de los castillos del Loira, ubicados en Francia, por encargo del empresario y filántropo antioqueño Diego Echavarría Misas. Después de la muerte del empresario en 1971, su esposa decide donarlo a la ciudad con todas las obras de arte que eran propiedad de la familia.

Actualmente el museo se ha dedicado a la promoción del arte y la cultura en la ciudad de Medellín. Conserva colecciones de obras de maestros colombianos, artistas europeos y colecciones de artes decorativas: muebles de principios del siglo pasado, cristalerías de Baccarat, vajillas y porcelanas de manufacturas europeas.

Ubicación: calle 9 Sur #32-269, Loma de los Balsos.

Considerado todo un adalid del arte surrealista, Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech nació en Figueras, Cataluña (España) el 11 de mayo de 1904. Desde muy pequeño, Dalí sintió una gran afinidad por el arte. Inició a la edad de 12 años de la mano de Ramón Pichot, artista y gran amigo de la familia. Gracias a él, Salvador descubrió el impresionismo, corriente artística que alternaría en alguna de sus obras.

En 1922, Dalí se traslada a Madrid para iniciar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en dicha academia compartiría con grandes figuras artísticas y literarias de España como el poeta Federico García Lorca y el cineasta Luis Buñuel, personajes con los cuales desarrolló una fuerte amistad.

París fue la ciudad donde floreció su arte surrealista. En esta ciudad conoció a su compatriota y también artista Pablo Picasso, a quien Dalí admiraba profundamente.

Aparte de su gran legado artístico, Salvador Dalí es reconocido por su extravagante personalidad y carácter histriónico, marcando la diferencia entre los artistas de su época.

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1. EL ORIGEN DE SU NOMBRE

Dalí tuvo en hermano mayor, llamado también Salvador, que murió a los 7 años, nueve meses antes de su nacimiento, por lo cual sus padres decidieron nombrarlo igual que su hermano. Este hecho marcó al artista catalán, que se veía así mismo como la reencarnación de su hermano, llegando a tener profundas crisis de personalidad.

2. LA HISTORIA DETRÁS DE SU PARTICULAR BIGOTE

Una de las características más famosas del artista es su inigualable mostacho. Dalí se inspiró en el bigote que llevaba el también pintor español Diego Velásquez, persona por la que el artista sentía una profunda admiración. Velásquez es el autor de la famosa pintura Las Meninas.

3. COLABORÓ EN CINE

Además de la pintura, Dalí mantuvo una estrecha relación en el mundo cinematográfico. Colaboró con su amigo Buñuel en la película surrealista Un Perro Andaluz, dicha película es considerada la más significativa del cine surrealista.

El artista ibérico también colaboró con otros cineastas de gran renombre como Alfred Hitchcock y Walt Disney.

4. FEDERICO Y SALVADOR: “UN AMOR QUE NO PUDO SER”

Entre el poeta Federico García Lorca y el artista Salvador Dalí, se presume que hubo una relación que iba más allá de una simple amistad, las apasionadas cartas que se escribían mutuamente son prueba de ello. Pero en la España del siglo XX, donde los homosexuales eran perseguidos e incluso condenados a muerte, una relación entre Dalí y Lorca estaba lejos de concretarse y salir a la luz pública en aquella época.

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5. LA CIENCA: SU OTRA MUSA

Aparte de su amada esposa Gala, Dalí tuvo otra gran fuente de inspiración: La ciencia.

Desde muy joven, el artista sintió un gran interés por la ciencia, Dalí trataba de mantenerse muy informado sobre la actualidad científica. Monserrat Aguer, experta en la figura de Salvador Dalí, asegura que “no podemos entender la obra de Dalí en su totalidad sin la influencia de la ciencia”.

Dalí fue un gran admirador del neurólogo austriaco Sigmund Freud al que definía como “su padre”. La interpretación de los sueños de Freud se convirtió en el libro de cabecera del artista español. La preocupación y estudio del subconsciente del médico austriaco ayudaron a sumergir a Dalí en el movimiento surrealista.

El físico alemán Albert Einstein, también formaba parte de la lista de ídolos del pintor, incluso se afirma que su pintura Los relojes blandos, está inspirada en la teoría de la relatividad formulada por Einstein.

Autodefinida como “la abuela del arte performance”, la artista Marina Abramović es considerada la pionera de esta forma de arte en todo el mundo. Marina ha formado su carrera artística a base de originalidad y experimentación del cuerpo humano para descubrir los límites de este.

“Abramović viene explorando los límites del cuerpo y de la mente, arriesgando a través de un tipo de arte en donde la obra no es una pintura, una escultura ni un video, sino una experiencia, es decir, momentos y situaciones en los que se usan la intensidad, la energía y el cuerpo como objeto y como medio”.

Esta eminencia del arte performance nació en Belgrado, Yugoslavia (hoy Serbia) el 30 de noviembre de 1946; emprendió el camino por el mundo del arte desde los años 70 hasta la actualidad.

La artista serbia estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1973 y 1975. En sus años universitarios intentó dedicarse a la pintura, pero falló en su intento, dado a que sentía que al pintar no expresaba del todo sus emociones. Por ello, decidió que su cuerpo sería su herramienta de trabajo y principal eje de su arte, basándose en experiencias, es decir, momentos y situaciones en los que se usa la intensidad, la trasgresión, el libre albedrío para los espectadores y los límites de la mente.

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Rhythm 0 (1974)

Es el performance estrella de la artista. En esta muestra, Marina, completamente desnuda, se puso literalmente a disposición del público con 72 distintos instrumentos que iban desde una simple rosa hasta un revólver totalmente cargado. Con dichos objetos, los espectadores podían hacer lo que quisieran en el cuerpo de Abramović, sin que la artista hiciera ninguna objeción durante seis horas.

Este performance comenzó con el propósito de tener un acercamiento y reflexión sobre la confianza, pero terminó reafirmando la tendencia del ser humano a recurrir a la violencia; la misma impactada por el resultado fue ella, reveló que “lo que aprendí fue que, si dejas que el público decida, te pueden matar. Me sentí verdaderamente atacada: me cortaron la ropa, me clavaron las espinas de las rosas en el estómago, una persona me apuntó a la cabeza con la pistola y otra se la quitó”. “Después de exactamente seis horas, según el plan, me levanté y empecé a caminar hacia el público. Todos escaparon, evitando un enfrentamiento real”.

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Imponderabilia (Abramović y Ulay, 1977)

En este performance Marina y su pareja de ese entonces el fotógrafo alemán Uwe Laysiepen, más conocido como Ulay, se situaron en la entrada de la exposición, obligando a todos los visitantes a pasar por delante de ellos, sin poder evitar rozar sus cuerpos totalmente desnudos.

La relación entre Ulay y Marina, además de amorosa, también estuvo muy ligada a su trabajo como artistas, pues en varias ocasiones colaboraron e hicieron performances juntos.

En el año 1988 dieron por finalizada su relación. Al romper, la pareja decidió despedirse de una forma muy simbólica y artística. Los artistas hicieron un recorrido por la Gran Muralla China, por separado desde los dos extremos opuestos, para encontrarse en la mitad del camino y fundirse en un abrazo de despedida.

Balkan Baroque (1997)

Esta obra, traducida al español como “Barroco balcánico”, fue un homenaje para las víctimas del genocidio ocurrido en las guerras serbio-croatas, evento histórico que dejó como saldo 100 muertes y cuantiosos desplazados. En este performance, la artista lava una montaña de huesos de ternera manchados de sangre mientras canta canciones infantiles.

El arte fue la mejor terapia de Frida Kahlo para hacer catarsis de los sucesos dolorosos por los que estuvo marcada su vida. Nacida en Coyoacán, México, Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, hizo literalmente de su vida un arte, todo lo que amó, odió y vivió puede ser visto en sus obras.

En su niñez contrajo poliomielitis, una enfermedad que la obligaba a pasar largos periodos en cama. Luego, un grave accidente de tránsito en su juventud le causó secuelas múltiples en su columna vertebral, por lo cual tuvo que someterse a dolorosas cirugías a lo largo de su vida, utilizar incómodos corsés de yeso y someterse a extenuantes rutinas de estiramiento.

Su relación de amor y odio con su esposo el muralista Diego Rivera, sus embarazos fallidos y la cultura mexicana, fueron una gran influencia en la obra de la artista.

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Hoy en día, Frida es considerada como una abanderada del feminismo, un ícono cultural y artístico de gran relevancia mundial, y su imagen es una de las más reproducidas por la industria cultural actual.

Presentamos la historia detrás de las obras más representativas de la artista mexicana.

DIEGO Y YO (1949)

La relación de esta pareja de artistas estuvo marcada por infidelidades de ambas partes, a pesar de ello, Frida profesaba un profundo amor y devoción por Diego Rivera. El rostro de diego en la frente de Kahlo indica que él siempre estaba en sus pensamientos.

AUTORRETRATO EN LA FRONTERA ENTRE MÉXICO Y ESTADOS UNIDOS (1932)

El cuadro es un claro contraste entre dos mundos, lo autóctono y antiguo de México choca con la modernidad e industrialización de los Estados Unidos; la obra es una clara diferenciación entre lo tradicional y lo moderno.

Lo que inspiró a Frida para realizar esta pintura fue su estadía en Estados Unidos, donde no se sentía nada contenta, pues estaba acostumbrada a lo tradicional de su tierra natal.

LA COLUMNA ROTA (1944)

La artista mexicana sufrió un accidente en un autobús en 1925, y desde entonces tuvo que ser sometida a dolorosas cirugías. Esta pintura fue hecha después ser intervenida quirúrgicamente de la columna vertebral y tuvo que llevar en lo sucesivo un corsé de acero que le provocaba intensos dolores.

LAS DOS FRIDAS (1939)

Para 1939 Frida se encontraba tramitando su divorcio con Diego Rivera, y su pintura “Las dos Fridas” representa el sufrimiento de la artista por su separación con Rivera. Con un cielo nublado y oscuro de fondo, están sentadas las dos Fridas, la de la derecha es la Frida amada por Diego y la de la izquierda es la Frida que el pintor ha rechazado. Las dos tienen el corazón a la vista, expuesto y vulnerable, pero el de la Frida de blanco está roto.

Los vestidos que llevan las dos permiten a la artista reivindicar sus raíces europeas e indígenas (su madre, Matilde Calderón, era mexicana y su padre, Guillermo Kahlo, era de origen alemán). La Frida rechazada lleva un vestido de novia estilo colonial y la segunda lleva un traje tradicional indígena que empezó a utilizar cuando se casó con Diego.

HOSPITAL HENRY FORD (1932)

Una de las frustraciones más grandes que sintió Frida Kahlo mientras vivió fue no poder haber concebido hijos, todo a causa de las secuelas del accidente de tránsito que tuvo en 1925. El 4 de julio de 1932 la artista sufre un aborto natural. Este episodio sucumbió a Frida en una profunda tristeza; un desconsuelo que se puede ver retratado en esta obra.

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UNOS CUANTOS PIQUETITOS (1935)

Este cuadro está inspirado en un suceso que Frida habría leído en un periódico: un hombre que asesinó a su esposa con arma blanca, trató de excusarse ante la justicia diciendo que solo le había dado “unos cuantos piquetitos”.

AUTORRETRATO CON EL COLLAR DE ESPINAS Y COLIBRÍ (1940)

Este autorretrato fue pintado durante la crisis por la que pasaba su matrimonio con Diego Rivera, en él quería reflejar su sufrimiento por su separación sentimental con el artista. Esta obra está cargada de simbolismos: el collar de espinas hace referencia a la corona de Cristo, mostrando el sufrimiento y la humillación que experimentó Frida.

El colibrí que cuelga de él es un símbolo del folklore mexicano de la suerte en el amor, usado muchas veces para invocar un nuevo romance. Sin embargo, está muerto, mostrando así la desilusión de Kahlo. El gato negro, catalogado como símbolo de mala suerte en la cultura occidental se muestra con una mirada amenazante hacia el colibrí, y sobre su hombro derecho está su mono, símbolo demoníaco en la religión cristiana… y un regalo de Diego.

EL VENADO HERIDO (1946)

Esta pintura expresa la decepción que sintió Frida por no haberse recuperado de sus dolores de espalda, en una cirugía hecha en Nueva York que, en vez de mejorar sus dolores, los empeoraron.

VIVA LA VIDA (1954)

Fue su última pintura, específicamente ocho días antes de su muerte. Esta pintura es interpretada como la despedida de la artista del mundo terrenal.